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El Hampa del arte

Buenas amigos.

Hace unos días estuve viendo unos vídeos sobre el negocio del arte, el Hampa-Arte de lo artístico, y me dejó un rato reflexionando sobre el camino que ha ido tomando el mundo del arte actualmente.

Hoy parece que la palabra arte y todo lo que representa es el estandarte de lo humano, de la belleza, de las emociones y en algunos casos de lo divino. El arte se convierte en la musa de la humanidad, si no sientes nada con el arte no estás vivo, pero ocurre una cosa curiosa, que muchos de los abanderados de esta doctrina en realidad no les importa el arte, sólo su valor en dolars o euros. Podemos ver verdaderas obras mediocres en exposiciones que se venden por miles de euros, obras que podrían consistir en una mierda pinchada en un palo (lo digo literalmente) acompañadas de una retórica absurda y en muchos casos infantil —no hay más que ver las exposiciones de Yoko Ono—. Pero lo peor no es sólo las cantidades absurdas y obscenas que se pagan por obras de arte, sino la especulación capitalista que hay detrás de ellas. El valor de una pintura, por ejemplo, no lo dicta lo que expresa al espectador o el trabajo que lleva realizarla, el valor lo imponen los mercaderes del dinero. El arte es hoy en día otra forma de negocio como lo puede ser el inmobiliario, son sus mágicas ideas de la oferta y la demanda.

Cuando sale una noticia de una obra de arte que ha sido subastada por millones de dólares uno se pregunta si el valor que le dan es el histórico, en el caso de ser un autor antiguo, la exclusividad en el caso de que el creador esté muerto o el clasismo en el caso de mostrar tu capacidad adquisitiva, como lo haría alguien con un coche de lujo. Sea cual sea la razón, en muchos casos se está olvidando lo que el arte es, la expresión profunda del autor o lo que te hace sentir o pensar cuando estás delante de una. Sé que es subjetiva esta cuestión, porque es muy difícil cuantificar un sentimiento, pero mi crítica no es a eso, es al mercado del Hambarte que se ha impuesto desde hace varias décadas. ¿Qué razón puede llevar a una persona a gastar cientos de miles o millones de euros por una pintura como las de Miró, que podrían ser obras de niños o meros cuadros decorativos por sus motivos y composición? El esnobismo  y la especulación capitalista-mercantilista cuando se habla de que comprar obras de arte es invertir no tiene escrúpulos. Y no digo que no haya personas que se gasten mucho dinero y que realmente sientan y valoren el arte que compran, que seguro que las hay.

Con esto no estoy criticando la idea de que se hagan negocios millonarios con el arte, es que ante todo, nos quieren vender que lo importante es el arte y no el dinero. Hoy en día hay mucha industria de entretenimiento que genera arte maravilloso (miremos por ejemplo el mundo del videojuego) pero cuyo valor económico es muy bajo o cuya finalidad no es estar colgada de una pared o colocada sobre un mueble y no por eso no es arte —lo es y del bueno—, pero al menos no te toman el pelo.

Y yo me pregunto ¿si pagasen decenas de miles de euros por mis pinturas o dibujos me quejaría igual? Si bien es cierto que muchos buenos autores se salen de estos círculos del Hamparte para sólo exponer o vender de una forma más honrada y sincera,  no por ello son menos artistas.

En fin, sólo una reflexión como otra cualquiera de alguien que le gusta el dibujo y la pintura en muchas de sus facetas pero que no se hace rico con ello. Está claro que un debate profundo de este tema llevaría muchas páginas que no voy a escribir, pero al menos me desahogo.

Y para terminar, un estudio que espero nunca pertenezca al Hambarte (la referencia que he usado está sacada de la web).

Baqueros cyborg

Carboncillo y Grafito

Buenas amigos.

Hoy os voy a hablar brevemente sobre dos medios muy usados en dibujo —no confundir con pintura—, el carboncillo y grafito. Ambos son materiales usados desde hace muchos años para técnicas de pintura en seco, es decir, no se usan ni agua ni aceites.

El carboncillo es uno de los medios más antiguos que existen, y su composición es tan sencilla como un trozo de madera quemada, que puede ser de sauce o abedul. Sí amigos, el carboncillo es un palo quemado, aunque un poco más elaborado en su proceso de fabricación. La técnica usada para este material es muy característica, nos da un negro muy intenso y profundo y se presta con facilidad al difuminado. Junto con el carboncillo es muy común usar difuminos para manchas de grises, aunque los más puristas usan directamente sus dedos. Después de una sesión de carboncillo tendremos nuestras manos negras debido a la cantidad de material que suelta la barra de carbón, por lo que debemos tener mucho cuidado de no manchar las distintas partes de la obra. Es un medio delicado y muy blando, pero nos proporciona un contraste entre luces y sombras fuerte y gracias a que se trata de una barra de carbón, podemos usar toda su superficie para dibujar cubriendo mucho espacio de un trazo. Es fácil sacar las luces con una goma blanda. Se puede adquirir en diferentes grosores para poder trabajar con más detalle o menos.

carboncillo

Barra de carboncillo en diferentes grosores

El grafito es otro de los materiales más usado en el dibujo, probablemente mucho más usado que cualquier otro medio seco ya que no sólo se usa para el dibujo, sino para la escritura. El grafito es una forma de carbono compacto producido por la mezcla de grafito en polvo, arcilla y agua, y todo ello cubierto de madera blanda —aunque también se puede encontrar en forma de barra como el carboncillo—. ¡Es el lapicero de toa lo vida, vamos! El tono que deja el grafito es más agrisado que el carboncillo, por lo que el negro no es tan intenso pero nos permite un degradado entre tonos mucho más suave. A diferencia del carbón, los lápices de grafito pueden ser más o menos oscuros en su trazo dependiendo de la cantidad de grafito que lleve la mezcla, es decir, cuanto más grafito más negro será el tono. Esta intensidad se mide en números y letras, siendo el H el más duro o gris y el B el más blando o negro. Esta escala suele ir desde el 9H hasta el 9B (8H,7H,6H…6B,7B,etc). La técnica del grafito difiere del carboncillo ya que el tono de su color y el modo en el que mancha es diferente. Este no es un artículo de la técnica utilizada en cada medio, por lo que no hablaré en detalle de ellas.

grafito

Lápices de grafito en varias medidas: 4B y 8B

Como podemos apreciar en el boceto de abajo, el carboncillo es mucho más intenso en el negro que el grafito, pero el segundo permite unos degradados más suaves y uniformes.

carboncillo y grafito

Diferencias entre carboncillo y grafito

Aquí vemos un dibujo hecho con ambas técnicas.

Feidu, la diosa loba

Feidu, la diosa loba

Y ya sabéis ¡ilustro luego existo!

El brujo oscuro

Dicen que somos los hijos del Caído

Pero sólo somos los hijos de la Tierra

Dicen que somos los hombres del Mal

Pero sólo somos los hombres de la Verdad

Nos llaman herejes

Pero sólo somos protectores

Dicen que adoramos al Cornudo

Pero sólo adoramos al padre del bosque 

Y así moriremos, luchando por guardar la fe antigua.

Destino

The Corinthian and Sandman

Una pesadilla creada para ser la oscuridad y el miedo a la oscuridad de cada corazón humano.

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The Corinthian

Y ya sabéis ¡ilustro luego existo!

La ilustración fantástica

Saludos amigos.

Desde niño me han fascinado las ilustraciones que veía en los libros y revistas de fantasía. Esas pinturas me transportaban a mundos épicos e imaginarios llenos de vida e historias fantásticas de héroes y villanos, dragones malévolos deseosos de robar cualquier tesoro o destruir a quien se interpusiera en sus macabros objetivos. Conforme me iba aficionando a estas ilustraciones fui buscando información de los autores de aquellas obras de arte. Casi siempre estaban relacionadas con libros de fantasía épica tan de moda en la época (hablo de los 80 y 90).

Uno de los más famosos era Larry Elmore, un autor americano conocido por pintar la portada del juego Avanced Dungeons and Dragons, como también muchas de los libros de Dragonlance. El medio que usa para pintar es el óleo, dando ese realismo que sólo esta técnica puede ofrecer. Actualmente sigue en activo y podéis ver su trabajo en la web de larryelmore.com.

Clyde Caldwell fue otro autor cuyas ilustraciones hechas para  TRS, la compañía que creó Dragones y Mazmorras -Dungeons and Dragons en inglés-, le ha dado un puesto en este artículo. Su técnica me recuerda a la de Elmore, colores muy vivos y composiciones con mucha luz, algo característico de las obras de los 80. Algunas de las portadas más conocidas de Dragonlance las hizo el señor Caldwell. Su web es: Clydecaldwell.

El siguiente de la lista es uno de los más conocidos sobre todo en el mundo hispano, se trata del maestro Ciruelo Cabrales. Este autor Argentino afincado en España comenzó su carrera dibujando para la revista argentina de fantasía Fierro. A finales de lo 80 decidió establecer su residencia en Cataluña y siguió con sus trabajos sobre dragones que le han hecho tan famoso. También es conocido por lo que él mismo ha denominado el petropicto, una técnica que consiste en crear una ilustración sobre una piedra aprovechando su forma natural. Podéis encontrarle en Dac ediciones.

Keith Parkinson es probablemente el pintor que mejor técnica tiene de los que mencionaré. Fue premiado por ser cocreador del juego de cartas Guardians, y como muchos autores de la época, trabajó para TRS. Por desgracia murió de leucemia en el año 2005. Tiene página web donde podéis admirar su maravillo trabajo artístico: Keith Parkinson.

John Howe es, junto con Alan Lee, el autor más conocido que ha ilustrado pinturas sobre el señor de los anillos. Howe nació en Vancouver, aunque actualmente reside en Suiza. Sus ilustraciones tienen una estilo muy personal y fácilmente reconocible, siendo el medio acrílico el que más usa. Siempre ha dicho de sí mismo que es un pintor lento y que por ello a veces tiene problemas con clientes por las entregas. Fue ilustrador de las películas del Señor de los Anillos realizadas por Peter Jackson. Su página web la encontraréis en: John Howe.com.

El último de esta lista es el conocidísimo Luis Royo. Nació en Teruel en la década de los 50 y ha sido probablemente uno de los ilustradores de fantasía más famosos de mundo, sobre todo por sus pinturas eróticas. Su técnica pictórica es refinada y meticulosa, usando el óleo como medio para realizarlas (aunque muchas veces las comienza con el acrílico) y trabajando de la forma en que lo hacían los clásico, a base de muchas capas veladas. En España casi siempre ha publicado a través de la editorial Norma. Le podéis seguir en su web: Luis Royo.

Hasta aquí mi lista. Ya sé que hay muchos más autores, pero entonces el artículo sería larguísimo y he pensado en poner los que más me han influenciado a mí.

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Galádriel

Aquí os pongo un boceto de un personaje mítico, ya sé que no le llega ni a la suela de los zapatos a los grandes maestros que hoy he mencionado, pero por algo se empieza. Es una ilustración que he creado a partir de una referencia de la web.

Y la sabéis, ¡ilustro luego existo!

La perspectiva aérea

Saludos amigos.

Hoy hablaré de la perspectiva aérea, un concepto importante para la pintura pues al ejecutarla correctamente nos dará sensación de profundidad en el plano.

Esta se refiere a los efectos creados por las condiciones atmosféricas que intervienen entre el observador y el objeto y se produce por la interposición del aire ambiente que cubre el paisaje con una especie de velo diáfano cuya opacidad aumenta a medida que los objetos se distancian. La perspectiva aérea se expresa por medio de gradaciones de valores, colores y detalles. Cuando los elementos de la naturaleza están próximos se aprecian sus valores, detalle con una buena definición; si están algo lejanos y son observados a una distancia media, el modelado tendrá poca apariencia, viéndose la forma más plana, los valores muy próximos entre sí y los colores más agrisados. Al verlos en la lejanía su forma se hará vaga, plana y la gradación desvaída. Este fenómeno establece un principio que el pintor no debe olvidar; todo objeto o forma reduce, progresivamente y por la distancia, sus contrastes de luz y sombra.

La perspectiva aérea afecta a los valores, pero muy especialmente a los colores. En todo objeto y a medida que este se distancie, los valores extremos tenderán a fundirse en una mezcla uniforme. Aunque se manifiesta otro efecto, si los valores están superpuestos por blanco, negro y gris, este último no cambiará de tono, mientras que los dos primeros se modificarán para igualarse a éste; el blanco y el negro se verán, en el primer plano, en su contraste más fuerte y a medida que se distancien se irán agrisando progresivamente; el gris mantendrá su valor en todos los planos.

Las diferencias tonales de una forma a plena luz del sol y bajo la sombra son diferentes. Con la luz intensa se manifiesta toda la escala tonal incluyendo sus extremos blanco y negro, pero bajo un cielo cubierto de espesas nubes no son apreciables los extremos blancos y negros y queda limitada la escala a una gama más reducida. Cuando en una escena hay partes de la distancia bañadas por la fuerte luz del sol y el primer término se oscurece por el paso de una densa nube, los blancos lejanos serán más intensos que los cercanos.

La perspectiva aérea no sólo afecta al color en su intensidad, sino que representa verdaderos cambios en aquél. Los tres primarios a plena luz del sol y cerca de nosotros, manifiestan su máximo color e intensidad, e irán neutralizándose a medida que se alejen hasta que queden fundidos en un gris uniforme, y cuando sobre estos tres colores pase una nube no sólo cambiará la intensidad sino que variará el color. En los colores se manifiestan notables contradicciones bajo la luz directa del sol o en la sombra. Bajo la luz solar y en un plano relativamente alejado muestran su color distintivo y vivo y en un plano más próximo y bajo la sombra se influyen por un color frío. Los colores se transforman, en la distancia, en un gris, pero no todos verifican este cambio con igual rapidez; los colores que participan del azul se agrisarán más pronto que el rojo y el naranja -este resistirá hasta el último extremo-.

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Óleo del pintor William Turner. Fijaros lo bien conseguida que está la perspectiva aérea, pudiendo diferenciar perfectamente los planos.

Este tipo de perspectiva es distinta de la geométrica que muchos conocemos de cuando aprendemos en el colegio, no se trata de ángulos ni puntos de fuga sino de efectos ambientales. A mi parecer, es mucho más difícil de conseguir, ya que requieres de mucha observación de la realidad para apreciar los matices tonales entre distintos planos.

Y ya sabéis ¡ilustro luego existo!

Teoría del color 2ª parte

El círculo cromático


El círculo cromático es un elemento básico y fundamental para entender la teoría del color y conocer la mejor manera de saber cómo se componen los colores.

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El círculo cromático nos ayuda a clasificar los colores según algunas de las siguientes características:

  •  Primarios.
  •  Secundarios.
  •  Terciarios.
  •  Opuestos.
  •  Colores tierra
  •  Colores fríos y cálidos.

Este círculo parte de tres colores primarios «amarillo, rojo y azul»

Primarios

Los colores primarios son de los que parte el resto de posibles combinaciones de otros colores, es decir, serían los padres del resto de colores. La primera posibilidad de mezcla para conseguir distintos tonos es la de la combinación entre ellos, lo que nos da los llamados secundarios.

Secundarios

Si a su vez mezclamos un color primario con uno secundario conseguiremos un color terciario.

A partir de aquí, la combinación a su vez de tonos distintos en enorme, pero los básicos parten del primario al secundario y del secundario al terciario.

Terciarios

Primario—Secundario—Terciario


Entre estos colores hay una relación cercana de tono, por lo que se les llama colores análogos, pero si el color con el que se mezcla se encuentra en el lado opuesto del círculo cromático se les llaman opuestos.

Opuestos

Es curioso ver como el opuesto de un color primario es uno secundario. Si se mezclan dos colores opuestos conseguimos que el dominante de los dos se neutralice, es decir, reduzcamos su saturación. Hay que tener cuidado con esta mezcla ya que tiende hacia el gris, por lo que perdemos o ensuciamos el tono principal. El uso de los colores opuestos es muy interesante, ya que su fuerte contraste nos da combinaciones muy buenas, aunque hay que tener cuidado con su uso por lo dicho anteriormente.

Otra clasificación importante en el círculo cromático es el de los colores tierra. Os preguntaréis donde se encuentran estos tonos dentro del círculo, pues en ningún sitio, puesto que se consiguen con la combinación de los rojos con los verdes que son tonos opuestos entre ellos. Los tierra más conocidos son la siena natural, la siena tostada, la sombra natural y la sombra tostada. Estos colores se usan mucho para neutralizar otros colores del círculo u oscurecerlos en el caso de usar las sombra natural o tostada.

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La última clasificación de la que hablaremos es la de los colores fríos y clálidos. Esto hace referencia a la temperatura del color. Es una impresión que nos da cuando observamos el color debido a la referencia simbólica que tenemos con la luz y la sombra. Los colores cálidos nos evocan el fuego, el día, la luz y los fríos con el agua, noche u oscuridad. Se dice que los colores cálidos dan sensación de proximidad mientras que los fríos de lejanía. Aunque la relación de que los fríos son sombra, también se puede conseguirlas con tonos cálidos como los tierra.

Cálidos y fríos

Los colores cálidos irían desde los amarillos hasta los violetas y los fríos desde los verdes hasta los azules.

Hasta aquí el final de este manual básico sobre la teoría del color. Espero que os haya servido de ayuda y os doy también una versión en PDF de “Teoría del color” de las dos partes juntas para que lo podáis  o para tenerlo de referencia.

¡ilustro luego existo!

Teoría del color 1ª parte

 

Definición

La teoría del color ser refiere al conocimiento sobre las características del color (la luz) que nosotros usaremos para enfocarnos en el uso artístico, concretamente, el pictórico.

Lo que nosotros percibimos como color es el reflejo de la luz sobre un objeto. La luz está compuesta por longitudes de onda de las cuales una franja llamada espectro visible es la que el ojo humano ve. Este espectro visible se encuentra entre los 390 y 780 nm en el campo del espectro electromagnético. Dicha franja nos muestra todos los colores que percibimos, desde el violeta a los 380 nm hasta el rojo a los 780nm. De ahí que los famosos rallos ultravioleta y los infrarrojos se refieran a las longitudes de onda por debajo del violeta y por encima del rojo. Por lo tanto, el color es la luz descompuesta que nos devuelve un objeto cuando dicha luz incide sobre él.

espectro-visible

Como podemos observar en la figura de arriba, el espectro nos muestra el rango de los colores que se ha definido como el estándar RGB. Dicho estándar representa las luces primarias, es decir, el rojo el verde y el azul (en inglés red, green, blue). Esto no lo tenemos que confundir con el estándar CMYK, que hace referencia a los pigmentos, como veremos más adelante.

La superficie que refleje todo el espectro visible nos dará un color blanco y la que absorba el rango electromagnético RGB nos mostrará un color negro, pero si lo que vemos es un color rojo, quiere decir que absorbe todas las longitudes de onda excepto las comprendidas entre los 620 y 780 nanómetros.

Esto es con respecto a la luz, ¿pero qué pasa con el estandar CMYK? ¿qué diferencia hay con el RGB? El estándar CMYK se refiere a los pigmentos, es decir, al material físico, y no a la luz, que nos muestra un color. El material físico es un mineral de un color concreto, que mezclado con un medio particular (aceite, goma arábiga, alquídico, etc), nos da una pintura. Como he mencionado al principio, a nosotros nos interesa enfocar el estudio de la teoría del color a la pintura, ya que es la materia que practicamos. El CMYK son las siglas de cian, magenta, amarillo y negro. (En inglés cyan, magenta, yellow y black)

cmyk_vs_rgb

El estándar CMYK es el usado para la impresión puesto que con lo que trabaja una imprenta es con pigmentos y no con luces. Fijaros como en el RGB cuando todos los colores se superponen el resultado es blanco a diferencia del CMYK que es negro. También vemos que la superposición de los colores primarios en cada modelo nos da a su vez los colores del modelo contrario. Como veis, lo colores básicos o primarios usados en la pintura se parecen más a los del modelo CMYK, solo que en vez de ser cian, magenta, amarillo y negro son únicamente rojo, azul y amarillo.

Características del color

Ya sabemos como se produce el color en un objeto y cómo se han creado unos estándares para clasificar los tonos básicos tanto en el RGB sobre luces como en el CMYK sobre pigmentos. Ahora veremos las características que definen un color.

Según la teoría del color, todo color posee tres características:

  • Matiz o tono.
  • Luminosidad.
  • Saturación.

El matiz o tono hace referencia a lo que comúnmente conocemos como el color.

CapturaTono

Esto es un azul primario con una luminosidad y saturación al 100%. Su tono o matiz es el azul, pero ahora veremos como siendo un mismo tono, pero cambiando sus otras características, el color cambia.

La luminosidad es el valor de intensidad lumínica que posee un color, es decir, la cantidad de blanco o negro que tiene.

CapturaLuminosidad

En este caso he modificado al mismo tono azul su luminosidad.

La siguiente característica es la saturación. Esta cualidad está relacionada con la cantidad de gris que tiene el color o la cantidad de pigmento puro.

CapturaSaturación

Cambiando la saturación vemos como el tono azul se va convirtiendo en un color gris.

Estas son las tres características del color. Sin conocer las bases de la teoría del color, diríamos que se tratan de tonos distintos, pero en realidad es el mismo tono pero con una luminosidad y saturación distintas.

CapturaMezclas

Fijaros como con un tono primario y modificando sus otras características podemos conseguir una enorme gama de colores.

CapturaMezcla2

¡Solo son tres tonos y mirad la cantidad de colores!

Bueno amigos, hasta aquí el final de la primera parte de la teoría del color. En la siguiente parte hablaré del círculo cromático.

Y ya sabéis ¡ilustro luego existo!

Dibujar con el lado derecho del cerebro

Saludos amigos.

Dibujar con el lado derecho del cerebro, ¿es eso posible? ¿acaso dibujamos de otra forma? ¿hay más de una parte del cerebro? Estas preguntas le podrían surgir a cualquier persona que no hubiese leído el famoso libro de Betty Edwards “Aprende a dibujar” publicado en los años 70 donde plantea una forma distinta de ver.

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Siempre hemos considerado que cuando dibujamos simplemente empezamos copiando lo que vemos, y en algunos casos lo hacemos desde la imaginación. ¿Pero qué es eso de hacerlo desde el lado derecho del cerebro? Betty Edwards nos explica que el cerebro lo componen el hemisferio derecho y el izquierdo, y cada uno tiene una función distinta. El izquierdo se encarga de las cuestiones lógicas y simbólicas, y el derecho de las emocionales y objetivas. Es decir, que con el lado izquierdo analizamos lo que dibujamos y con el lado derecho simplemente observamos lo que dibujamos. Parece sencillo de entender, ¿pero que tiene que ver con dibujar? Pues mucho.

Cuando somos niños, al no tener aún desarrollado las funciones cerebrales estamos en un estado de mayor conexión entre una parte y otra de los hemisferios, pero conforme vamos interiorizando el conocimiento de nuestras experiencias y las transformamos en símbolos (todo eso ayudado por el tipo de educación moderna); la separación de funciones entre ambas partes cerebrales se vuelve más evidente. Por norma general, la izquierda es quien acaba dominando la mayor parte del tiempo, incluso cuando dibujamos.

El método de Betty Edwards nos propone enfocar el dibujo desde el punto de vista del estudio del funcionamiento de nuestro cerebro al afrontar una pintura. Aparte de explicar como funciona el órgano pensante, crea ejercicios para aprender a percibir el cambio de un hemisferio y volver a darle un papel más relevante al lado derecho, que es el creativo. En definitiva, nos enseña que:

La información visual que necesitamos está ahí mismo a nuestra disposición. El problema está en ver.

No es un manual de técnicas de dibujo, es un método de cambio de paradigma sobre la observación de las cosas enfocado a las personas que quieran aprender, o ya sepan, a dibujar. Imprescindible para comprender el por qué de muchos de los errores que se comenten al dibujar haciéndonos ver que la mayoría son errores de interpretación por parte de nuestro cerebro y no una falta de habilidad manual.

Y ya sabéis ¡ilustro luego existo!

Muerte

Saludos amigos.

Después de tanto tiempo sin publicar nada, me animo a seguir subiendo cosillas para que podáis disfrutar al igual que lo hago yo ilustrando.

Esta vez estoy pensando en hacer un crossover de varios personajes relacionados por una cosa. Como habéis podido leer la cosa que los une es la muerte.

Son bocetos del famoso personaje de Muerte de los tebeos de Sandman del autor inglés Neil Gaiman. De momento estoy viendo distintas poses que puedan expresar mejor la personalidad de este personaje y crear algún diseño que me guste. Habrá otro personaje también famoso, ¿adivináis cual será?

Todavía no tengo claro que técnica usaré, digital, acrílico, óleo o acuarela. La verdad es que me apetece la acuarela, creo que es el medio que más se acercaría a lo que tengo en mente.

Y ya sabéis ¡ilustro luego existo!