The Corinthian and Sandman

Una pesadilla creada para ser la oscuridad y el miedo a la oscuridad de cada corazón humano.

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The Corinthian

Y ya sabéis ¡ilustro luego existo!

XP-Pen, una alternativa a Wacom

Saludos amigos.

En esta ocasión voy a hablar sobre la nueva tableta digitalizadora que he comprado por navidades, la Star04 de la marca XP-Pen.

XP-Pen es una marca de origen japonés que se dedica a fabricar tabletas digitalizadoras como Wacom, de echo posee modelos en su catálogo de tipo Cintiq y normales del estilo de las Wacom Intuos Pro, pero al precio de una Intuos (las antiguas bamboo). El modelo que he adquirido es el Star04 con unas características de un modelo de gama profesional de la serie Intuos Pro de Wacom, es decir: 2048 niveles de presión, una resolución de 5080LPI, y una superficie de área activa de 230x145cm (aunque esto puede ser modificado con los drivers) junto con cinco botones de expresions key y un roll. Lo único que no posee  el Pen es tecnología de inclinación.

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Este modelo tiene el tamaño aproximado de las Wacom M

Uno de los motivos técnicos de porqué elegí esta marca es porque también tiene una tecnología de lápiz sin pila, como la de Wacom, y dos botones configurables. El otro motivo fue el económico, una tableta con estas características y por 75€ aproximadamente era algo digno de probar. Y no me he arrepentido, después de probarla veo que no hace falta gastarse tanto dinero en una tableta como las Wacom. La precisión con la que trabaja esta Star04 está al mismo nivel que la serie Pro de Wacom, teniendo un Pen con una característica ergonómica insuperable, ya que no es redondo sino triangular, por lo que el agarre es mucho más cómodo que los típicos lápices de las demás marcas. Además, la punta del Pen tiene un pequeño muelle, por lo que imita de forma mucho más natural la presión que podemos ejercer con un rotulador o pincel sobre el papel o un lienzo. ¡Y la superficie no es rugosa! así que no desgastará las puntas como si estuviesen viviendo sobre la tableta una marabunta de termitas.

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Pen y el reposa lápiz con sus puntas de recambio

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Pen triangular para una mayor ergonomía

Los acabados son de plástico al igual que la gama Intuos Pro de Wacom, por lo que la construcción es igual pero con un coste tres veces menos. También tiene una micro SD incorporada para poder almacenar nuestros documentos y  transportarlos junto con la XP-Pen.

Los drivers que nos da XP-Pen -que recomiendo bajar de su web- funcionan perfectamente en Windows 10, excepto por un problema con la API de Adobe que no nos reconoce la sensibilidad a la presión (un fallo terrible tratándose de una herramienta para dibujar), pero que en un post del foro de Adobe nos da la solución (esta dirección está en el manual de instrucciones que vienen con la Star04). La solución que nos dan es crear un archivo de texto con:

# Use WinTab
UseSystemStylus 0

Guardar el archivo con el nombre de PSUserConfig y copiarlo en:

C:\Users\[User Name]\AppData\Roaming\Adobe\Adobe Photoshop CC 2014 [o la versión que tengamos instalada]\Adobe Photoshop CC 2014 Settings\

La he probado con Krita y reconoce la presión sin problemas, aunque creo que el problema con Photoshop debería ser arreglado por parte de XP-Pen (o Adobe) en futuras versiones de sus drivers,  porque si uno no es un poco ducho en tecnología puede hacer que el que la compre se sienta frustrado y la devuelva.

Creo que ha sido una compra maravillosa, pudiendo tener una tableta de la calidad de las más caras (mucho más caras) de Wacom a un precio de su gama baja.

Y para terminar, una ilustración creada con esta tableta Star04.

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Y ya sabéis, ¡ilustro luego existo!

Cómo colorear en Photoshop con veladuras

Vídeo dedicado a explicar qué es una veladura y como usarlas en el programa de pintura digital Adobe Photoshop.

Surface pro 4 y Galadriel

Saludos amigos.

Hoy estoy escribiendo esta entrada desde mi nueva adquisición, la Surface Pro 4 de la compañía de Microsoft. Este convertible de laptop y Tablet es un producto revolucionario que nos da la posibilidad de usarlo tanto como ordenador como Tablet (esto último más limitado a las capacidades de Windows 10). Otra de las características que la está haciendo tan conocida es su lápiz o Pen, un producto perfecto para los ilustradores.

El aparato que me he comprado ha sido el modelo i5 de 4Gb de Ram y 128Gb de almacenamiento. La he comprado en una oferta que incluía el dichoso y caro teclado propio. De no haber sido por la buena oferta no la habría comprado, porque me parecía muy caro para la cantidad de uso que le iba a dar, pero cuando quieres una tecnología tan concreta acabas teniendo que pagar más -no hay más que ver a Wacom con sus productos tan caros-.

Después de varios días de uso estoy encantado, el lápiz tiene muy buena precisión y sensibilidad, y junto con el excelente ratio de pantalla 3:2 hace que sea más apto para dibujar de lo que pensaba. Hace tiempo tuve una Cintiq 13HD y precisamente por un ratio más panorámico no me resultó demasiado cómodo para ilustrar. La pantalla de la Surface Pro 4 es una maravilla con sus 2.736 x 1.824 pixels y un panel que muestra una calidad de colores increíble. Lo que quizás me resulta algo corto es la duración de la batería, que según Microsoft es de nueve horas, por lo que probablemente sea de seis o siete, algo escaso tratándose de un producto de alta gama. Quizás el modelo con el procesador Core M consiga una o dos horas más de duración.

La estoy probando de momento con Photoshop, ya que por desgracia en Krita no funciona la sensibilidad a la presión debido quizás a que no han implementado la tecnología N-Tring del lápiz de la Surface. Ya buscaré en la red algo de información sobre este problema y ver si encuentro una solución.

En cuanto a conectividad, comparado con lo que suelen tener otros portátiles, la Surface Pro 4 resulta escasa, con sólo un puerto USB, una salida de vídeo mini displayport y una entrada para tarjetas SD.

Puedo decir que la Surface es un producto apto para ilustradores que busquen movilidad y potencia en un aparato de poco peso y fácil de transportar, con una excelente tecnología de lápiz digital, aunque tienen que ver si los programas que usan para su trabajo implementan las capacidades de N-Tring. Pero también digo que es un ordenador caro, muy caro, porque el más potente ronda los 2500 € y al más bajo de la gama, el Core M, cuesta 900 €.

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Aquí les muestro una prueba de lo que he podido realizar en la Surface Pro 4, una preciosa Galadriel.

¡Y ya sabéis! ¡ilustro luego existo!

La ilustración fantástica

Saludos amigos.

Desde niño me han fascinado las ilustraciones que veía en los libros y revistas de fantasía. Esas pinturas me transportaban a mundos épicos e imaginarios llenos de vida e historias fantásticas de héroes y villanos, dragones malévolos deseosos de robar cualquier tesoro o destruir a quien se interpusiera en sus macabros objetivos. Conforme me iba aficionando a estas ilustraciones fui buscando información de los autores de aquellas obras de arte. Casi siempre estaban relacionadas con libros de fantasía épica tan de moda en la época (hablo de los 80 y 90).

Uno de los más famosos era Larry Elmore, un autor americano conocido por pintar la portada del juego Avanced Dungeons and Dragons, como también muchas de los libros de Dragonlance. El medio que usa para pintar es el óleo, dando ese realismo que sólo esta técnica puede ofrecer. Actualmente sigue en activo y podéis ver su trabajo en la web de larryelmore.com.

Clyde Caldwell fue otro autor cuyas ilustraciones hechas para  TRS, la compañía que creó Dragones y Mazmorras -Dungeons and Dragons en inglés-, le ha dado un puesto en este artículo. Su técnica me recuerda a la de Elmore, colores muy vivos y composiciones con mucha luz, algo característico de las obras de los 80. Algunas de las portadas más conocidas de Dragonlance las hizo el señor Caldwell. Su web es: Clydecaldwell.

El siguiente de la lista es uno de los más conocidos sobre todo en el mundo hispano, se trata del maestro Ciruelo Cabrales. Este autor Argentino afincado en España comenzó su carrera dibujando para la revista argentina de fantasía Fierro. A finales de lo 80 decidió establecer su residencia en Cataluña y siguió con sus trabajos sobre dragones que le han hecho tan famoso. También es conocido por lo que él mismo ha denominado el petropicto, una técnica que consiste en crear una ilustración sobre una piedra aprovechando su forma natural. Podéis encontrarle en Dac ediciones.

Keith Parkinson es probablemente el pintor que mejor técnica tiene de los que mencionaré. Fue premiado por ser cocreador del juego de cartas Guardians, y como muchos autores de la época, trabajó para TRS. Por desgracia murió de leucemia en el año 2005. Tiene página web donde podéis admirar su maravillo trabajo artístico: Keith Parkinson.

John Howe es, junto con Alan Lee, el autor más conocido que ha ilustrado pinturas sobre el señor de los anillos. Howe nació en Vancouver, aunque actualmente reside en Suiza. Sus ilustraciones tienen una estilo muy personal y fácilmente reconocible, siendo el medio acrílico el que más usa. Siempre ha dicho de sí mismo que es un pintor lento y que por ello a veces tiene problemas con clientes por las entregas. Fue ilustrador de las películas del Señor de los Anillos realizadas por Peter Jackson. Su página web la encontraréis en: John Howe.com.

El último de esta lista es el conocidísimo Luis Royo. Nació en Teruel en la década de los 50 y ha sido probablemente uno de los ilustradores de fantasía más famosos de mundo, sobre todo por sus pinturas eróticas. Su técnica pictórica es refinada y meticulosa, usando el óleo como medio para realizarlas (aunque muchas veces las comienza con el acrílico) y trabajando de la forma en que lo hacían los clásico, a base de muchas capas veladas. En España casi siempre ha publicado a través de la editorial Norma. Le podéis seguir en su web: Luis Royo.

Hasta aquí mi lista. Ya sé que hay muchos más autores, pero entonces el artículo sería larguísimo y he pensado en poner los que más me han influenciado a mí.

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Galádriel

Aquí os pongo un boceto de un personaje mítico, ya sé que no le llega ni a la suela de los zapatos a los grandes maestros que hoy he mencionado, pero por algo se empieza. Es una ilustración que he creado a partir de una referencia de la web.

Y la sabéis, ¡ilustro luego existo!

La perspectiva aérea

Saludos amigos.

Hoy hablaré de la perspectiva aérea, un concepto importante para la pintura pues al ejecutarla correctamente nos dará sensación de profundidad en el plano.

Esta se refiere a los efectos creados por las condiciones atmosféricas que intervienen entre el observador y el objeto y se produce por la interposición del aire ambiente que cubre el paisaje con una especie de velo diáfano cuya opacidad aumenta a medida que los objetos se distancian. La perspectiva aérea se expresa por medio de gradaciones de valores, colores y detalles. Cuando los elementos de la naturaleza están próximos se aprecian sus valores, detalle con una buena definición; si están algo lejanos y son observados a una distancia media, el modelado tendrá poca apariencia, viéndose la forma más plana, los valores muy próximos entre sí y los colores más agrisados. Al verlos en la lejanía su forma se hará vaga, plana y la gradación desvaída. Este fenómeno establece un principio que el pintor no debe olvidar; todo objeto o forma reduce, progresivamente y por la distancia, sus contrastes de luz y sombra.

La perspectiva aérea afecta a los valores, pero muy especialmente a los colores. En todo objeto y a medida que este se distancie, los valores extremos tenderán a fundirse en una mezcla uniforme. Aunque se manifiesta otro efecto, si los valores están superpuestos por blanco, negro y gris, este último no cambiará de tono, mientras que los dos primeros se modificarán para igualarse a éste; el blanco y el negro se verán, en el primer plano, en su contraste más fuerte y a medida que se distancien se irán agrisando progresivamente; el gris mantendrá su valor en todos los planos.

Las diferencias tonales de una forma a plena luz del sol y bajo la sombra son diferentes. Con la luz intensa se manifiesta toda la escala tonal incluyendo sus extremos blanco y negro, pero bajo un cielo cubierto de espesas nubes no son apreciables los extremos blancos y negros y queda limitada la escala a una gama más reducida. Cuando en una escena hay partes de la distancia bañadas por la fuerte luz del sol y el primer término se oscurece por el paso de una densa nube, los blancos lejanos serán más intensos que los cercanos.

La perspectiva aérea no sólo afecta al color en su intensidad, sino que representa verdaderos cambios en aquél. Los tres primarios a plena luz del sol y cerca de nosotros, manifiestan su máximo color e intensidad, e irán neutralizándose a medida que se alejen hasta que queden fundidos en un gris uniforme, y cuando sobre estos tres colores pase una nube no sólo cambiará la intensidad sino que variará el color. En los colores se manifiestan notables contradicciones bajo la luz directa del sol o en la sombra. Bajo la luz solar y en un plano relativamente alejado muestran su color distintivo y vivo y en un plano más próximo y bajo la sombra se influyen por un color frío. Los colores se transforman, en la distancia, en un gris, pero no todos verifican este cambio con igual rapidez; los colores que participan del azul se agrisarán más pronto que el rojo y el naranja -este resistirá hasta el último extremo-.

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Óleo del pintor William Turner. Fijaros lo bien conseguida que está la perspectiva aérea, pudiendo diferenciar perfectamente los planos.

Este tipo de perspectiva es distinta de la geométrica que muchos conocemos de cuando aprendemos en el colegio, no se trata de ángulos ni puntos de fuga sino de efectos ambientales. A mi parecer, es mucho más difícil de conseguir, ya que requieres de mucha observación de la realidad para apreciar los matices tonales entre distintos planos.

Y ya sabéis ¡ilustro luego existo!

Teoría del color en YouTube 1

Versión en videtutorial de la teoría del color.

Teoría del color 2ª parte

El círculo cromático


El círculo cromático es un elemento básico y fundamental para entender la teoría del color y conocer la mejor manera de saber cómo se componen los colores.

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El círculo cromático nos ayuda a clasificar los colores según algunas de las siguientes características:

  •  Primarios.
  •  Secundarios.
  •  Terciarios.
  •  Opuestos.
  •  Colores tierra
  •  Colores fríos y cálidos.

Este círculo parte de tres colores primarios «amarillo, rojo y azul»

Primarios

Los colores primarios son de los que parte el resto de posibles combinaciones de otros colores, es decir, serían los padres del resto de colores. La primera posibilidad de mezcla para conseguir distintos tonos es la de la combinación entre ellos, lo que nos da los llamados secundarios.

Secundarios

Si a su vez mezclamos un color primario con uno secundario conseguiremos un color terciario.

A partir de aquí, la combinación a su vez de tonos distintos en enorme, pero los básicos parten del primario al secundario y del secundario al terciario.

Terciarios

Primario—Secundario—Terciario


Entre estos colores hay una relación cercana de tono, por lo que se les llama colores análogos, pero si el color con el que se mezcla se encuentra en el lado opuesto del círculo cromático se les llaman opuestos.

Opuestos

Es curioso ver como el opuesto de un color primario es uno secundario. Si se mezclan dos colores opuestos conseguimos que el dominante de los dos se neutralice, es decir, reduzcamos su saturación. Hay que tener cuidado con esta mezcla ya que tiende hacia el gris, por lo que perdemos o ensuciamos el tono principal. El uso de los colores opuestos es muy interesante, ya que su fuerte contraste nos da combinaciones muy buenas, aunque hay que tener cuidado con su uso por lo dicho anteriormente.

Otra clasificación importante en el círculo cromático es el de los colores tierra. Os preguntaréis donde se encuentran estos tonos dentro del círculo, pues en ningún sitio, puesto que se consiguen con la combinación de los rojos con los verdes que son tonos opuestos entre ellos. Los tierra más conocidos son la siena natural, la siena tostada, la sombra natural y la sombra tostada. Estos colores se usan mucho para neutralizar otros colores del círculo u oscurecerlos en el caso de usar las sombra natural o tostada.

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La última clasificación de la que hablaremos es la de los colores fríos y clálidos. Esto hace referencia a la temperatura del color. Es una impresión que nos da cuando observamos el color debido a la referencia simbólica que tenemos con la luz y la sombra. Los colores cálidos nos evocan el fuego, el día, la luz y los fríos con el agua, noche u oscuridad. Se dice que los colores cálidos dan sensación de proximidad mientras que los fríos de lejanía. Aunque la relación de que los fríos son sombra, también se puede conseguirlas con tonos cálidos como los tierra.

Cálidos y fríos

Los colores cálidos irían desde los amarillos hasta los violetas y los fríos desde los verdes hasta los azules.

Hasta aquí el final de este manual básico sobre la teoría del color. Espero que os haya servido de ayuda y os doy también una versión en PDF de “Teoría del color” de las dos partes juntas para que lo podáis  o para tenerlo de referencia.

¡ilustro luego existo!

Teoría del color 1ª parte

 

Definición

La teoría del color ser refiere al conocimiento sobre las características del color (la luz) que nosotros usaremos para enfocarnos en el uso artístico, concretamente, el pictórico.

Lo que nosotros percibimos como color es el reflejo de la luz sobre un objeto. La luz está compuesta por longitudes de onda de las cuales una franja llamada espectro visible es la que el ojo humano ve. Este espectro visible se encuentra entre los 390 y 780 nm en el campo del espectro electromagnético. Dicha franja nos muestra todos los colores que percibimos, desde el violeta a los 380 nm hasta el rojo a los 780nm. De ahí que los famosos rallos ultravioleta y los infrarrojos se refieran a las longitudes de onda por debajo del violeta y por encima del rojo. Por lo tanto, el color es la luz descompuesta que nos devuelve un objeto cuando dicha luz incide sobre él.

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Como podemos observar en la figura de arriba, el espectro nos muestra el rango de los colores que se ha definido como el estándar RGB. Dicho estándar representa las luces primarias, es decir, el rojo el verde y el azul (en inglés red, green, blue). Esto no lo tenemos que confundir con el estándar CMYK, que hace referencia a los pigmentos, como veremos más adelante.

La superficie que refleje todo el espectro visible nos dará un color blanco y la que absorba el rango electromagnético RGB nos mostrará un color negro, pero si lo que vemos es un color rojo, quiere decir que absorbe todas las longitudes de onda excepto las comprendidas entre los 620 y 780 nanómetros.

Esto es con respecto a la luz, ¿pero qué pasa con el estandar CMYK? ¿qué diferencia hay con el RGB? El estándar CMYK se refiere a los pigmentos, es decir, al material físico, y no a la luz, que nos muestra un color. El material físico es un mineral de un color concreto, que mezclado con un medio particular (aceite, goma arábiga, alquídico, etc), nos da una pintura. Como he mencionado al principio, a nosotros nos interesa enfocar el estudio de la teoría del color a la pintura, ya que es la materia que practicamos. El CMYK son las siglas de cian, magenta, amarillo y negro. (En inglés cyan, magenta, yellow y black)

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El estándar CMYK es el usado para la impresión puesto que con lo que trabaja una imprenta es con pigmentos y no con luces. Fijaros como en el RGB cuando todos los colores se superponen el resultado es blanco a diferencia del CMYK que es negro. También vemos que la superposición de los colores primarios en cada modelo nos da a su vez los colores del modelo contrario. Como veis, lo colores básicos o primarios usados en la pintura se parecen más a los del modelo CMYK, solo que en vez de ser cian, magenta, amarillo y negro son únicamente rojo, azul y amarillo.

Características del color

Ya sabemos como se produce el color en un objeto y cómo se han creado unos estándares para clasificar los tonos básicos tanto en el RGB sobre luces como en el CMYK sobre pigmentos. Ahora veremos las características que definen un color.

Según la teoría del color, todo color posee tres características:

  • Matiz o tono.
  • Luminosidad.
  • Saturación.

El matiz o tono hace referencia a lo que comúnmente conocemos como el color.

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Esto es un azul primario con una luminosidad y saturación al 100%. Su tono o matiz es el azul, pero ahora veremos como siendo un mismo tono, pero cambiando sus otras características, el color cambia.

La luminosidad es el valor de intensidad lumínica que posee un color, es decir, la cantidad de blanco o negro que tiene.

CapturaLuminosidad

En este caso he modificado al mismo tono azul su luminosidad.

La siguiente característica es la saturación. Esta cualidad está relacionada con la cantidad de gris que tiene el color o la cantidad de pigmento puro.

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Cambiando la saturación vemos como el tono azul se va convirtiendo en un color gris.

Estas son las tres características del color. Sin conocer las bases de la teoría del color, diríamos que se tratan de tonos distintos, pero en realidad es el mismo tono pero con una luminosidad y saturación distintas.

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Fijaros como con un tono primario y modificando sus otras características podemos conseguir una enorme gama de colores.

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¡Solo son tres tonos y mirad la cantidad de colores!

Bueno amigos, hasta aquí el final de la primera parte de la teoría del color. En la siguiente parte hablaré del círculo cromático.

Y ya sabéis ¡ilustro luego existo!

Dibujar con el lado derecho del cerebro

Saludos amigos.

Dibujar con el lado derecho del cerebro, ¿es eso posible? ¿acaso dibujamos de otra forma? ¿hay más de una parte del cerebro? Estas preguntas le podrían surgir a cualquier persona que no hubiese leído el famoso libro de Betty Edwards “Aprende a dibujar” publicado en los años 70 donde plantea una forma distinta de ver.

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Siempre hemos considerado que cuando dibujamos simplemente empezamos copiando lo que vemos, y en algunos casos lo hacemos desde la imaginación. ¿Pero qué es eso de hacerlo desde el lado derecho del cerebro? Betty Edwards nos explica que el cerebro lo componen el hemisferio derecho y el izquierdo, y cada uno tiene una función distinta. El izquierdo se encarga de las cuestiones lógicas y simbólicas, y el derecho de las emocionales y objetivas. Es decir, que con el lado izquierdo analizamos lo que dibujamos y con el lado derecho simplemente observamos lo que dibujamos. Parece sencillo de entender, ¿pero que tiene que ver con dibujar? Pues mucho.

Cuando somos niños, al no tener aún desarrollado las funciones cerebrales estamos en un estado de mayor conexión entre una parte y otra de los hemisferios, pero conforme vamos interiorizando el conocimiento de nuestras experiencias y las transformamos en símbolos (todo eso ayudado por el tipo de educación moderna); la separación de funciones entre ambas partes cerebrales se vuelve más evidente. Por norma general, la izquierda es quien acaba dominando la mayor parte del tiempo, incluso cuando dibujamos.

El método de Betty Edwards nos propone enfocar el dibujo desde el punto de vista del estudio del funcionamiento de nuestro cerebro al afrontar una pintura. Aparte de explicar como funciona el órgano pensante, crea ejercicios para aprender a percibir el cambio de un hemisferio y volver a darle un papel más relevante al lado derecho, que es el creativo. En definitiva, nos enseña que:

La información visual que necesitamos está ahí mismo a nuestra disposición. El problema está en ver.

No es un manual de técnicas de dibujo, es un método de cambio de paradigma sobre la observación de las cosas enfocado a las personas que quieran aprender, o ya sepan, a dibujar. Imprescindible para comprender el por qué de muchos de los errores que se comenten al dibujar haciéndonos ver que la mayoría son errores de interpretación por parte de nuestro cerebro y no una falta de habilidad manual.

Y ya sabéis ¡ilustro luego existo!