El Hampa del arte

Buenas amigos.

Hace unos días estuve viendo unos vídeos sobre el negocio del arte, el Hampa-Arte de lo artístico, y me dejó un rato reflexionando sobre el camino que ha ido tomando el mundo del arte actualmente.

Hoy parece que la palabra arte y todo lo que representa es el estandarte de lo humano, de la belleza, de las emociones y en algunos casos de lo divino. El arte se convierte en la musa de la humanidad, si no sientes nada con el arte no estás vivo, pero ocurre una cosa curiosa, que muchos de los abanderados de esta doctrina en realidad no les importa el arte, sólo su valor en dolars o euros. Podemos ver verdaderas obras mediocres en exposiciones que se venden por miles de euros, obras que podrían consistir en una mierda pinchada en un palo (lo digo literalmente) acompañadas de una retórica absurda y en muchos casos infantil —no hay más que ver las exposiciones de Yoko Ono—. Pero lo peor no es sólo las cantidades absurdas y obscenas que se pagan por obras de arte, sino la especulación capitalista que hay detrás de ellas. El valor de una pintura, por ejemplo, no lo dicta lo que expresa al espectador o el trabajo que lleva realizarla, el valor lo imponen los mercaderes del dinero. El arte es hoy en día otra forma de negocio como lo puede ser el inmobiliario, son sus mágicas ideas de la oferta y la demanda.

Cuando sale una noticia de una obra de arte que ha sido subastada por millones de dólares uno se pregunta si el valor que le dan es el histórico, en el caso de ser un autor antiguo, la exclusividad en el caso de que el creador esté muerto o el clasismo en el caso de mostrar tu capacidad adquisitiva, como lo haría alguien con un coche de lujo. Sea cual sea la razón, en muchos casos se está olvidando lo que el arte es, la expresión profunda del autor o lo que te hace sentir o pensar cuando estás delante de una. Sé que es subjetiva esta cuestión, porque es muy difícil cuantificar un sentimiento, pero mi crítica no es a eso, es al mercado del Hambarte que se ha impuesto desde hace varias décadas. ¿Qué razón puede llevar a una persona a gastar cientos de miles o millones de euros por una pintura como las de Miró, que podrían ser obras de niños o meros cuadros decorativos por sus motivos y composición? El esnobismo  y la especulación capitalista-mercantilista cuando se habla de que comprar obras de arte es invertir no tiene escrúpulos. Y no digo que no haya personas que se gasten mucho dinero y que realmente sientan y valoren el arte que compran, que seguro que las hay.

Con esto no estoy criticando la idea de que se hagan negocios millonarios con el arte, es que ante todo, nos quieren vender que lo importante es el arte y no el dinero. Hoy en día hay mucha industria de entretenimiento que genera arte maravilloso (miremos por ejemplo el mundo del videojuego) pero cuyo valor económico es muy bajo o cuya finalidad no es estar colgada de una pared o colocada sobre un mueble y no por eso no es arte —lo es y del bueno—, pero al menos no te toman el pelo.

Y yo me pregunto ¿si pagasen decenas de miles de euros por mis pinturas o dibujos me quejaría igual? Si bien es cierto que muchos buenos autores se salen de estos círculos del Hamparte para sólo exponer o vender de una forma más honrada y sincera,  no por ello son menos artistas.

En fin, sólo una reflexión como otra cualquiera de alguien que le gusta el dibujo y la pintura en muchas de sus facetas pero que no se hace rico con ello. Está claro que un debate profundo de este tema llevaría muchas páginas que no voy a escribir, pero al menos me desahogo.

Y para terminar, un estudio que espero nunca pertenezca al Hambarte (la referencia que he usado está sacada de la web).

Baqueros cyborg

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Carboncillo y Grafito

Buenas amigos.

Hoy os voy a hablar brevemente sobre dos medios muy usados en dibujo —no confundir con pintura—, el carboncillo y grafito. Ambos son materiales usados desde hace muchos años para técnicas de pintura en seco, es decir, no se usan ni agua ni aceites.

El carboncillo es uno de los medios más antiguos que existen, y su composición es tan sencilla como un trozo de madera quemada, que puede ser de sauce o abedul. Sí amigos, el carboncillo es un palo quemado, aunque un poco más elaborado en su proceso de fabricación. La técnica usada para este material es muy característica, nos da un negro muy intenso y profundo y se presta con facilidad al difuminado. Junto con el carboncillo es muy común usar difuminos para manchas de grises, aunque los más puristas usan directamente sus dedos. Después de una sesión de carboncillo tendremos nuestras manos negras debido a la cantidad de material que suelta la barra de carbón, por lo que debemos tener mucho cuidado de no manchar las distintas partes de la obra. Es un medio delicado y muy blando, pero nos proporciona un contraste entre luces y sombras fuerte y gracias a que se trata de una barra de carbón, podemos usar toda su superficie para dibujar cubriendo mucho espacio de un trazo. Es fácil sacar las luces con una goma blanda. Se puede adquirir en diferentes grosores para poder trabajar con más detalle o menos.

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Barra de carboncillo en diferentes grosores

El grafito es otro de los materiales más usado en el dibujo, probablemente mucho más usado que cualquier otro medio seco ya que no sólo se usa para el dibujo, sino para la escritura. El grafito es una forma de carbono compacto producido por la mezcla de grafito en polvo, arcilla y agua, y todo ello cubierto de madera blanda —aunque también se puede encontrar en forma de barra como el carboncillo—. ¡Es el lapicero de toa lo vida, vamos! El tono que deja el grafito es más agrisado que el carboncillo, por lo que el negro no es tan intenso pero nos permite un degradado entre tonos mucho más suave. A diferencia del carbón, los lápices de grafito pueden ser más o menos oscuros en su trazo dependiendo de la cantidad de grafito que lleve la mezcla, es decir, cuanto más grafito más negro será el tono. Esta intensidad se mide en números y letras, siendo el H el más duro o gris y el B el más blando o negro. Esta escala suele ir desde el 9H hasta el 9B (8H,7H,6H…6B,7B,etc). La técnica del grafito difiere del carboncillo ya que el tono de su color y el modo en el que mancha es diferente. Este no es un artículo de la técnica utilizada en cada medio, por lo que no hablaré en detalle de ellas.

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Lápices de grafito en varias medidas: 4B y 8B

Como podemos apreciar en el boceto de abajo, el carboncillo es mucho más intenso en el negro que el grafito, pero el segundo permite unos degradados más suaves y uniformes.

carboncillo y grafito

Diferencias entre carboncillo y grafito

Aquí vemos un dibujo hecho con ambas técnicas.

Feidu, la diosa loba

Feidu, la diosa loba

Y ya sabéis ¡ilustro luego existo!

El brujo oscuro

Dicen que somos los hijos del Caído

Pero sólo somos los hijos de la Tierra

Dicen que somos los hombres del Mal

Pero sólo somos los hombres de la Verdad

Nos llaman herejes

Pero sólo somos protectores

Dicen que adoramos al Cornudo

Pero sólo adoramos al padre del bosque 

Y así moriremos, luchando por guardar la fe antigua.

Destino

The Corinthian and Sandman

Una pesadilla creada para ser la oscuridad y el miedo a la oscuridad de cada corazón humano.

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The Corinthian

Y ya sabéis ¡ilustro luego existo!

XP-Pen, una alternativa a Wacom

Saludos amigos.

En esta ocasión voy a hablar sobre la nueva tableta digitalizadora que he comprado por navidades, la Star04 de la marca XP-Pen.

XP-Pen es una marca de origen japonés que se dedica a fabricar tabletas digitalizadoras como Wacom, de echo posee modelos en su catálogo de tipo Cintiq y normales del estilo de las Wacom Intuos Pro, pero al precio de una Intuos (las antiguas bamboo). El modelo que he adquirido es el Star04 con unas características de un modelo de gama profesional de la serie Intuos Pro de Wacom, es decir: 2048 niveles de presión, una resolución de 5080LPI, y una superficie de área activa de 230x145cm (aunque esto puede ser modificado con los drivers) junto con cinco botones de expresions key y un roll. Lo único que no posee  el Pen es tecnología de inclinación.

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Este modelo tiene el tamaño aproximado de las Wacom M

Uno de los motivos técnicos de porqué elegí esta marca es porque también tiene una tecnología de lápiz sin pila, como la de Wacom, y dos botones configurables. El otro motivo fue el económico, una tableta con estas características y por 75€ aproximadamente era algo digno de probar. Y no me he arrepentido, después de probarla veo que no hace falta gastarse tanto dinero en una tableta como las Wacom. La precisión con la que trabaja esta Star04 está al mismo nivel que la serie Pro de Wacom, teniendo un Pen con una característica ergonómica insuperable, ya que no es redondo sino triangular, por lo que el agarre es mucho más cómodo que los típicos lápices de las demás marcas. Además, la punta del Pen tiene un pequeño muelle, por lo que imita de forma mucho más natural la presión que podemos ejercer con un rotulador o pincel sobre el papel o un lienzo. ¡Y la superficie no es rugosa! así que no desgastará las puntas como si estuviesen viviendo sobre la tableta una marabunta de termitas.

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Pen y el reposa lápiz con sus puntas de recambio

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Pen triangular para una mayor ergonomía

Los acabados son de plástico al igual que la gama Intuos Pro de Wacom, por lo que la construcción es igual pero con un coste tres veces menos. También tiene una micro SD incorporada para poder almacenar nuestros documentos y  transportarlos junto con la XP-Pen.

Los drivers que nos da XP-Pen -que recomiendo bajar de su web- funcionan perfectamente en Windows 10, excepto por un problema con la API de Adobe que no nos reconoce la sensibilidad a la presión (un fallo terrible tratándose de una herramienta para dibujar), pero que en un post del foro de Adobe nos da la solución (esta dirección está en el manual de instrucciones que vienen con la Star04). La solución que nos dan es crear un archivo de texto con:

# Use WinTab
UseSystemStylus 0

Guardar el archivo con el nombre de PSUserConfig y copiarlo en:

C:\Users\[User Name]\AppData\Roaming\Adobe\Adobe Photoshop CC 2014 [o la versión que tengamos instalada]\Adobe Photoshop CC 2014 Settings\

La he probado con Krita y reconoce la presión sin problemas, aunque creo que el problema con Photoshop debería ser arreglado por parte de XP-Pen (o Adobe) en futuras versiones de sus drivers,  porque si uno no es un poco ducho en tecnología puede hacer que el que la compre se sienta frustrado y la devuelva.

Creo que ha sido una compra maravillosa, pudiendo tener una tableta de la calidad de las más caras (mucho más caras) de Wacom a un precio de su gama baja.

Y para terminar, una ilustración creada con esta tableta Star04.

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Y ya sabéis, ¡ilustro luego existo!

Cómo colorear en Photoshop con veladuras

Vídeo dedicado a explicar qué es una veladura y como usarlas en el programa de pintura digital Adobe Photoshop.

Surface pro 4 y Galadriel

Saludos amigos.

Hoy estoy escribiendo esta entrada desde mi nueva adquisición, la Surface Pro 4 de la compañía de Microsoft. Este convertible de laptop y Tablet es un producto revolucionario que nos da la posibilidad de usarlo tanto como ordenador como Tablet (esto último más limitado a las capacidades de Windows 10). Otra de las características que la está haciendo tan conocida es su lápiz o Pen, un producto perfecto para los ilustradores.

El aparato que me he comprado ha sido el modelo i5 de 4Gb de Ram y 128Gb de almacenamiento. La he comprado en una oferta que incluía el dichoso y caro teclado propio. De no haber sido por la buena oferta no la habría comprado, porque me parecía muy caro para la cantidad de uso que le iba a dar, pero cuando quieres una tecnología tan concreta acabas teniendo que pagar más -no hay más que ver a Wacom con sus productos tan caros-.

Después de varios días de uso estoy encantado, el lápiz tiene muy buena precisión y sensibilidad, y junto con el excelente ratio de pantalla 3:2 hace que sea más apto para dibujar de lo que pensaba. Hace tiempo tuve una Cintiq 13HD y precisamente por un ratio más panorámico no me resultó demasiado cómodo para ilustrar. La pantalla de la Surface Pro 4 es una maravilla con sus 2.736 x 1.824 pixels y un panel que muestra una calidad de colores increíble. Lo que quizás me resulta algo corto es la duración de la batería, que según Microsoft es de nueve horas, por lo que probablemente sea de seis o siete, algo escaso tratándose de un producto de alta gama. Quizás el modelo con el procesador Core M consiga una o dos horas más de duración.

La estoy probando de momento con Photoshop, ya que por desgracia en Krita no funciona la sensibilidad a la presión debido quizás a que no han implementado la tecnología N-Tring del lápiz de la Surface. Ya buscaré en la red algo de información sobre este problema y ver si encuentro una solución.

En cuanto a conectividad, comparado con lo que suelen tener otros portátiles, la Surface Pro 4 resulta escasa, con sólo un puerto USB, una salida de vídeo mini displayport y una entrada para tarjetas SD.

Puedo decir que la Surface es un producto apto para ilustradores que busquen movilidad y potencia en un aparato de poco peso y fácil de transportar, con una excelente tecnología de lápiz digital, aunque tienen que ver si los programas que usan para su trabajo implementan las capacidades de N-Tring. Pero también digo que es un ordenador caro, muy caro, porque el más potente ronda los 2500 € y al más bajo de la gama, el Core M, cuesta 900 €.

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Aquí les muestro una prueba de lo que he podido realizar en la Surface Pro 4, una preciosa Galadriel.

¡Y ya sabéis! ¡ilustro luego existo!

La ilustración fantástica

Saludos amigos.

Desde niño me han fascinado las ilustraciones que veía en los libros y revistas de fantasía. Esas pinturas me transportaban a mundos épicos e imaginarios llenos de vida e historias fantásticas de héroes y villanos, dragones malévolos deseosos de robar cualquier tesoro o destruir a quien se interpusiera en sus macabros objetivos. Conforme me iba aficionando a estas ilustraciones fui buscando información de los autores de aquellas obras de arte. Casi siempre estaban relacionadas con libros de fantasía épica tan de moda en la época (hablo de los 80 y 90).

Uno de los más famosos era Larry Elmore, un autor americano conocido por pintar la portada del juego Avanced Dungeons and Dragons, como también muchas de los libros de Dragonlance. El medio que usa para pintar es el óleo, dando ese realismo que sólo esta técnica puede ofrecer. Actualmente sigue en activo y podéis ver su trabajo en la web de larryelmore.com.

Clyde Caldwell fue otro autor cuyas ilustraciones hechas para  TRS, la compañía que creó Dragones y Mazmorras -Dungeons and Dragons en inglés-, le ha dado un puesto en este artículo. Su técnica me recuerda a la de Elmore, colores muy vivos y composiciones con mucha luz, algo característico de las obras de los 80. Algunas de las portadas más conocidas de Dragonlance las hizo el señor Caldwell. Su web es: Clydecaldwell.

El siguiente de la lista es uno de los más conocidos sobre todo en el mundo hispano, se trata del maestro Ciruelo Cabrales. Este autor Argentino afincado en España comenzó su carrera dibujando para la revista argentina de fantasía Fierro. A finales de lo 80 decidió establecer su residencia en Cataluña y siguió con sus trabajos sobre dragones que le han hecho tan famoso. También es conocido por lo que él mismo ha denominado el petropicto, una técnica que consiste en crear una ilustración sobre una piedra aprovechando su forma natural. Podéis encontrarle en Dac ediciones.

Keith Parkinson es probablemente el pintor que mejor técnica tiene de los que mencionaré. Fue premiado por ser cocreador del juego de cartas Guardians, y como muchos autores de la época, trabajó para TRS. Por desgracia murió de leucemia en el año 2005. Tiene página web donde podéis admirar su maravillo trabajo artístico: Keith Parkinson.

John Howe es, junto con Alan Lee, el autor más conocido que ha ilustrado pinturas sobre el señor de los anillos. Howe nació en Vancouver, aunque actualmente reside en Suiza. Sus ilustraciones tienen una estilo muy personal y fácilmente reconocible, siendo el medio acrílico el que más usa. Siempre ha dicho de sí mismo que es un pintor lento y que por ello a veces tiene problemas con clientes por las entregas. Fue ilustrador de las películas del Señor de los Anillos realizadas por Peter Jackson. Su página web la encontraréis en: John Howe.com.

El último de esta lista es el conocidísimo Luis Royo. Nació en Teruel en la década de los 50 y ha sido probablemente uno de los ilustradores de fantasía más famosos de mundo, sobre todo por sus pinturas eróticas. Su técnica pictórica es refinada y meticulosa, usando el óleo como medio para realizarlas (aunque muchas veces las comienza con el acrílico) y trabajando de la forma en que lo hacían los clásico, a base de muchas capas veladas. En España casi siempre ha publicado a través de la editorial Norma. Le podéis seguir en su web: Luis Royo.

Hasta aquí mi lista. Ya sé que hay muchos más autores, pero entonces el artículo sería larguísimo y he pensado en poner los que más me han influenciado a mí.

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Galádriel

Aquí os pongo un boceto de un personaje mítico, ya sé que no le llega ni a la suela de los zapatos a los grandes maestros que hoy he mencionado, pero por algo se empieza. Es una ilustración que he creado a partir de una referencia de la web.

Y la sabéis, ¡ilustro luego existo!

La perspectiva aérea

Saludos amigos.

Hoy hablaré de la perspectiva aérea, un concepto importante para la pintura pues al ejecutarla correctamente nos dará sensación de profundidad en el plano.

Esta se refiere a los efectos creados por las condiciones atmosféricas que intervienen entre el observador y el objeto y se produce por la interposición del aire ambiente que cubre el paisaje con una especie de velo diáfano cuya opacidad aumenta a medida que los objetos se distancian. La perspectiva aérea se expresa por medio de gradaciones de valores, colores y detalles. Cuando los elementos de la naturaleza están próximos se aprecian sus valores, detalle con una buena definición; si están algo lejanos y son observados a una distancia media, el modelado tendrá poca apariencia, viéndose la forma más plana, los valores muy próximos entre sí y los colores más agrisados. Al verlos en la lejanía su forma se hará vaga, plana y la gradación desvaída. Este fenómeno establece un principio que el pintor no debe olvidar; todo objeto o forma reduce, progresivamente y por la distancia, sus contrastes de luz y sombra.

La perspectiva aérea afecta a los valores, pero muy especialmente a los colores. En todo objeto y a medida que este se distancie, los valores extremos tenderán a fundirse en una mezcla uniforme. Aunque se manifiesta otro efecto, si los valores están superpuestos por blanco, negro y gris, este último no cambiará de tono, mientras que los dos primeros se modificarán para igualarse a éste; el blanco y el negro se verán, en el primer plano, en su contraste más fuerte y a medida que se distancien se irán agrisando progresivamente; el gris mantendrá su valor en todos los planos.

Las diferencias tonales de una forma a plena luz del sol y bajo la sombra son diferentes. Con la luz intensa se manifiesta toda la escala tonal incluyendo sus extremos blanco y negro, pero bajo un cielo cubierto de espesas nubes no son apreciables los extremos blancos y negros y queda limitada la escala a una gama más reducida. Cuando en una escena hay partes de la distancia bañadas por la fuerte luz del sol y el primer término se oscurece por el paso de una densa nube, los blancos lejanos serán más intensos que los cercanos.

La perspectiva aérea no sólo afecta al color en su intensidad, sino que representa verdaderos cambios en aquél. Los tres primarios a plena luz del sol y cerca de nosotros, manifiestan su máximo color e intensidad, e irán neutralizándose a medida que se alejen hasta que queden fundidos en un gris uniforme, y cuando sobre estos tres colores pase una nube no sólo cambiará la intensidad sino que variará el color. En los colores se manifiestan notables contradicciones bajo la luz directa del sol o en la sombra. Bajo la luz solar y en un plano relativamente alejado muestran su color distintivo y vivo y en un plano más próximo y bajo la sombra se influyen por un color frío. Los colores se transforman, en la distancia, en un gris, pero no todos verifican este cambio con igual rapidez; los colores que participan del azul se agrisarán más pronto que el rojo y el naranja -este resistirá hasta el último extremo-.

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Óleo del pintor William Turner. Fijaros lo bien conseguida que está la perspectiva aérea, pudiendo diferenciar perfectamente los planos.

Este tipo de perspectiva es distinta de la geométrica que muchos conocemos de cuando aprendemos en el colegio, no se trata de ángulos ni puntos de fuga sino de efectos ambientales. A mi parecer, es mucho más difícil de conseguir, ya que requieres de mucha observación de la realidad para apreciar los matices tonales entre distintos planos.

Y ya sabéis ¡ilustro luego existo!

Teoría del color en YouTube 1

Versión en videtutorial de la teoría del color.