Carboncillo y Grafito

Buenas amigos.

Hoy os voy a hablar brevemente sobre dos medios muy usados en dibujo —no confundir con pintura—, el carboncillo y grafito. Ambos son materiales usados desde hace muchos años para técnicas de pintura en seco, es decir, no se usan ni agua ni aceites.

El carboncillo es uno de los medios más antiguos que existen, y su composición es tan sencilla como un trozo de madera quemada, que puede ser de sauce o abedul. Sí amigos, el carboncillo es un palo quemado, aunque un poco más elaborado en su proceso de fabricación. La técnica usada para este material es muy característica, nos da un negro muy intenso y profundo y se presta con facilidad al difuminado. Junto con el carboncillo es muy común usar difuminos para manchas de grises, aunque los más puristas usan directamente sus dedos. Después de una sesión de carboncillo tendremos nuestras manos negras debido a la cantidad de material que suelta la barra de carbón, por lo que debemos tener mucho cuidado de no manchar las distintas partes de la obra. Es un medio delicado y muy blando, pero nos proporciona un contraste entre luces y sombras fuerte y gracias a que se trata de una barra de carbón, podemos usar toda su superficie para dibujar cubriendo mucho espacio de un trazo. Es fácil sacar las luces con una goma blanda. Se puede adquirir en diferentes grosores para poder trabajar con más detalle o menos.

carboncillo

Barra de carboncillo en diferentes grosores

El grafito es otro de los materiales más usado en el dibujo, probablemente mucho más usado que cualquier otro medio seco ya que no sólo se usa para el dibujo, sino para la escritura. El grafito es una forma de carbono compacto producido por la mezcla de grafito en polvo, arcilla y agua, y todo ello cubierto de madera blanda —aunque también se puede encontrar en forma de barra como el carboncillo—. ¡Es el lapicero de toa lo vida, vamos! El tono que deja el grafito es más agrisado que el carboncillo, por lo que el negro no es tan intenso pero nos permite un degradado entre tonos mucho más suave. A diferencia del carbón, los lápices de grafito pueden ser más o menos oscuros en su trazo dependiendo de la cantidad de grafito que lleve la mezcla, es decir, cuanto más grafito más negro será el tono. Esta intensidad se mide en números y letras, siendo el H el más duro o gris y el B el más blando o negro. Esta escala suele ir desde el 9H hasta el 9B (8H,7H,6H…6B,7B,etc). La técnica del grafito difiere del carboncillo ya que el tono de su color y el modo en el que mancha es diferente. Este no es un artículo de la técnica utilizada en cada medio, por lo que no hablaré en detalle de ellas.

grafito

Lápices de grafito en varias medidas: 4B y 8B

Como podemos apreciar en el boceto de abajo, el carboncillo es mucho más intenso en el negro que el grafito, pero el segundo permite unos degradados más suaves y uniformes.

carboncillo y grafito

Diferencias entre carboncillo y grafito

Aquí vemos un dibujo hecho con ambas técnicas.

Feidu, la diosa loba

Feidu, la diosa loba

Y ya sabéis ¡ilustro luego existo!

Anuncios

El brujo oscuro

Dicen que somos los hijos del Caído

Pero sólo somos los hijos de la Tierra

Dicen que somos los hombres del Mal

Pero sólo somos los hombres de la Verdad

Nos llaman herejes

Pero sólo somos protectores

Dicen que adoramos al Cornudo

Pero sólo adoramos al padre del bosque 

Y así moriremos, luchando por guardar la fe antigua.

Destino

The Corinthian and Sandman

Una pesadilla creada para ser la oscuridad y el miedo a la oscuridad de cada corazón humano.

corintio_sandman_baja

The Corinthian

Y ya sabéis ¡ilustro luego existo!

XP-Pen, una alternativa a Wacom

Saludos amigos.

En esta ocasión voy a hablar sobre la nueva tableta digitalizadora que he comprado por navidades, la Star04 de la marca XP-Pen.

XP-Pen es una marca de origen japonés que se dedica a fabricar tabletas digitalizadoras como Wacom, de echo posee modelos en su catálogo de tipo Cintiq y normales del estilo de las Wacom Intuos Pro, pero al precio de una Intuos (las antiguas bamboo). El modelo que he adquirido es el Star04 con unas características de un modelo de gama profesional de la serie Intuos Pro de Wacom, es decir: 2048 niveles de presión, una resolución de 5080LPI, y una superficie de área activa de 230x145cm (aunque esto puede ser modificado con los drivers) junto con cinco botones de expresions key y un roll. Lo único que no posee  el Pen es tecnología de inclinación.

img_20170118_1107091

Este modelo tiene el tamaño aproximado de las Wacom M

Uno de los motivos técnicos de porqué elegí esta marca es porque también tiene una tecnología de lápiz sin pila, como la de Wacom, y dos botones configurables. El otro motivo fue el económico, una tableta con estas características y por 75€ aproximadamente era algo digno de probar. Y no me he arrepentido, después de probarla veo que no hace falta gastarse tanto dinero en una tableta como las Wacom. La precisión con la que trabaja esta Star04 está al mismo nivel que la serie Pro de Wacom, teniendo un Pen con una característica ergonómica insuperable, ya que no es redondo sino triangular, por lo que el agarre es mucho más cómodo que los típicos lápices de las demás marcas. Además, la punta del Pen tiene un pequeño muelle, por lo que imita de forma mucho más natural la presión que podemos ejercer con un rotulador o pincel sobre el papel o un lienzo. ¡Y la superficie no es rugosa! así que no desgastará las puntas como si estuviesen viviendo sobre la tableta una marabunta de termitas.

img_20170118_1107461

Pen y el reposa lápiz con sus puntas de recambio

img_20170118_1107351

Pen triangular para una mayor ergonomía

Los acabados son de plástico al igual que la gama Intuos Pro de Wacom, por lo que la construcción es igual pero con un coste tres veces menos. También tiene una micro SD incorporada para poder almacenar nuestros documentos y  transportarlos junto con la XP-Pen.

Los drivers que nos da XP-Pen -que recomiendo bajar de su web- funcionan perfectamente en Windows 10, excepto por un problema con la API de Adobe que no nos reconoce la sensibilidad a la presión (un fallo terrible tratándose de una herramienta para dibujar), pero que en un post del foro de Adobe nos da la solución (esta dirección está en el manual de instrucciones que vienen con la Star04). La solución que nos dan es crear un archivo de texto con:

# Use WinTab
UseSystemStylus 0

Guardar el archivo con el nombre de PSUserConfig y copiarlo en:

C:\Users\[User Name]\AppData\Roaming\Adobe\Adobe Photoshop CC 2014 [o la versión que tengamos instalada]\Adobe Photoshop CC 2014 Settings\

La he probado con Krita y reconoce la presión sin problemas, aunque creo que el problema con Photoshop debería ser arreglado por parte de XP-Pen (o Adobe) en futuras versiones de sus drivers,  porque si uno no es un poco ducho en tecnología puede hacer que el que la compre se sienta frustrado y la devuelva.

Creo que ha sido una compra maravillosa, pudiendo tener una tableta de la calidad de las más caras (mucho más caras) de Wacom a un precio de su gama baja.

Y para terminar, una ilustración creada con esta tableta Star04.

esqueleto_bigchild1_baja

Y ya sabéis, ¡ilustro luego existo!

Cómo colorear en Photoshop con veladuras

Vídeo dedicado a explicar qué es una veladura y como usarlas en el programa de pintura digital Adobe Photoshop.

Surface pro 4 y Galadriel

Saludos amigos.

Hoy estoy escribiendo esta entrada desde mi nueva adquisición, la Surface Pro 4 de la compañía de Microsoft. Este convertible de laptop y Tablet es un producto revolucionario que nos da la posibilidad de usarlo tanto como ordenador como Tablet (esto último más limitado a las capacidades de Windows 10). Otra de las características que la está haciendo tan conocida es su lápiz o Pen, un producto perfecto para los ilustradores.

El aparato que me he comprado ha sido el modelo i5 de 4Gb de Ram y 128Gb de almacenamiento. La he comprado en una oferta que incluía el dichoso y caro teclado propio. De no haber sido por la buena oferta no la habría comprado, porque me parecía muy caro para la cantidad de uso que le iba a dar, pero cuando quieres una tecnología tan concreta acabas teniendo que pagar más -no hay más que ver a Wacom con sus productos tan caros-.

Después de varios días de uso estoy encantado, el lápiz tiene muy buena precisión y sensibilidad, y junto con el excelente ratio de pantalla 3:2 hace que sea más apto para dibujar de lo que pensaba. Hace tiempo tuve una Cintiq 13HD y precisamente por un ratio más panorámico no me resultó demasiado cómodo para ilustrar. La pantalla de la Surface Pro 4 es una maravilla con sus 2.736 x 1.824 pixels y un panel que muestra una calidad de colores increíble. Lo que quizás me resulta algo corto es la duración de la batería, que según Microsoft es de nueve horas, por lo que probablemente sea de seis o siete, algo escaso tratándose de un producto de alta gama. Quizás el modelo con el procesador Core M consiga una o dos horas más de duración.

La estoy probando de momento con Photoshop, ya que por desgracia en Krita no funciona la sensibilidad a la presión debido quizás a que no han implementado la tecnología N-Tring del lápiz de la Surface. Ya buscaré en la red algo de información sobre este problema y ver si encuentro una solución.

En cuanto a conectividad, comparado con lo que suelen tener otros portátiles, la Surface Pro 4 resulta escasa, con sólo un puerto USB, una salida de vídeo mini displayport y una entrada para tarjetas SD.

Puedo decir que la Surface es un producto apto para ilustradores que busquen movilidad y potencia en un aparato de poco peso y fácil de transportar, con una excelente tecnología de lápiz digital, aunque tienen que ver si los programas que usan para su trabajo implementan las capacidades de N-Tring. Pero también digo que es un ordenador caro, muy caro, porque el más potente ronda los 2500 € y al más bajo de la gama, el Core M, cuesta 900 €.

galadriel_baja_digital

Aquí les muestro una prueba de lo que he podido realizar en la Surface Pro 4, una preciosa Galadriel.

¡Y ya sabéis! ¡ilustro luego existo!

La ilustración fantástica

Saludos amigos.

Desde niño me han fascinado las ilustraciones que veía en los libros y revistas de fantasía. Esas pinturas me transportaban a mundos épicos e imaginarios llenos de vida e historias fantásticas de héroes y villanos, dragones malévolos deseosos de robar cualquier tesoro o destruir a quien se interpusiera en sus macabros objetivos. Conforme me iba aficionando a estas ilustraciones fui buscando información de los autores de aquellas obras de arte. Casi siempre estaban relacionadas con libros de fantasía épica tan de moda en la época (hablo de los 80 y 90).

Uno de los más famosos era Larry Elmore, un autor americano conocido por pintar la portada del juego Avanced Dungeons and Dragons, como también muchas de los libros de Dragonlance. El medio que usa para pintar es el óleo, dando ese realismo que sólo esta técnica puede ofrecer. Actualmente sigue en activo y podéis ver su trabajo en la web de larryelmore.com.

Clyde Caldwell fue otro autor cuyas ilustraciones hechas para  TRS, la compañía que creó Dragones y Mazmorras -Dungeons and Dragons en inglés-, le ha dado un puesto en este artículo. Su técnica me recuerda a la de Elmore, colores muy vivos y composiciones con mucha luz, algo característico de las obras de los 80. Algunas de las portadas más conocidas de Dragonlance las hizo el señor Caldwell. Su web es: Clydecaldwell.

El siguiente de la lista es uno de los más conocidos sobre todo en el mundo hispano, se trata del maestro Ciruelo Cabrales. Este autor Argentino afincado en España comenzó su carrera dibujando para la revista argentina de fantasía Fierro. A finales de lo 80 decidió establecer su residencia en Cataluña y siguió con sus trabajos sobre dragones que le han hecho tan famoso. También es conocido por lo que él mismo ha denominado el petropicto, una técnica que consiste en crear una ilustración sobre una piedra aprovechando su forma natural. Podéis encontrarle en Dac ediciones.

Keith Parkinson es probablemente el pintor que mejor técnica tiene de los que mencionaré. Fue premiado por ser cocreador del juego de cartas Guardians, y como muchos autores de la época, trabajó para TRS. Por desgracia murió de leucemia en el año 2005. Tiene página web donde podéis admirar su maravillo trabajo artístico: Keith Parkinson.

John Howe es, junto con Alan Lee, el autor más conocido que ha ilustrado pinturas sobre el señor de los anillos. Howe nació en Vancouver, aunque actualmente reside en Suiza. Sus ilustraciones tienen una estilo muy personal y fácilmente reconocible, siendo el medio acrílico el que más usa. Siempre ha dicho de sí mismo que es un pintor lento y que por ello a veces tiene problemas con clientes por las entregas. Fue ilustrador de las películas del Señor de los Anillos realizadas por Peter Jackson. Su página web la encontraréis en: John Howe.com.

El último de esta lista es el conocidísimo Luis Royo. Nació en Teruel en la década de los 50 y ha sido probablemente uno de los ilustradores de fantasía más famosos de mundo, sobre todo por sus pinturas eróticas. Su técnica pictórica es refinada y meticulosa, usando el óleo como medio para realizarlas (aunque muchas veces las comienza con el acrílico) y trabajando de la forma en que lo hacían los clásico, a base de muchas capas veladas. En España casi siempre ha publicado a través de la editorial Norma. Le podéis seguir en su web: Luis Royo.

Hasta aquí mi lista. Ya sé que hay muchos más autores, pero entonces el artículo sería larguísimo y he pensado en poner los que más me han influenciado a mí.

galadriel_bajajpg

Galádriel

Aquí os pongo un boceto de un personaje mítico, ya sé que no le llega ni a la suela de los zapatos a los grandes maestros que hoy he mencionado, pero por algo se empieza. Es una ilustración que he creado a partir de una referencia de la web.

Y la sabéis, ¡ilustro luego existo!

La perspectiva aérea

Saludos amigos.

Hoy hablaré de la perspectiva aérea, un concepto importante para la pintura pues al ejecutarla correctamente nos dará sensación de profundidad en el plano.

Esta se refiere a los efectos creados por las condiciones atmosféricas que intervienen entre el observador y el objeto y se produce por la interposición del aire ambiente que cubre el paisaje con una especie de velo diáfano cuya opacidad aumenta a medida que los objetos se distancian. La perspectiva aérea se expresa por medio de gradaciones de valores, colores y detalles. Cuando los elementos de la naturaleza están próximos se aprecian sus valores, detalle con una buena definición; si están algo lejanos y son observados a una distancia media, el modelado tendrá poca apariencia, viéndose la forma más plana, los valores muy próximos entre sí y los colores más agrisados. Al verlos en la lejanía su forma se hará vaga, plana y la gradación desvaída. Este fenómeno establece un principio que el pintor no debe olvidar; todo objeto o forma reduce, progresivamente y por la distancia, sus contrastes de luz y sombra.

La perspectiva aérea afecta a los valores, pero muy especialmente a los colores. En todo objeto y a medida que este se distancie, los valores extremos tenderán a fundirse en una mezcla uniforme. Aunque se manifiesta otro efecto, si los valores están superpuestos por blanco, negro y gris, este último no cambiará de tono, mientras que los dos primeros se modificarán para igualarse a éste; el blanco y el negro se verán, en el primer plano, en su contraste más fuerte y a medida que se distancien se irán agrisando progresivamente; el gris mantendrá su valor en todos los planos.

Las diferencias tonales de una forma a plena luz del sol y bajo la sombra son diferentes. Con la luz intensa se manifiesta toda la escala tonal incluyendo sus extremos blanco y negro, pero bajo un cielo cubierto de espesas nubes no son apreciables los extremos blancos y negros y queda limitada la escala a una gama más reducida. Cuando en una escena hay partes de la distancia bañadas por la fuerte luz del sol y el primer término se oscurece por el paso de una densa nube, los blancos lejanos serán más intensos que los cercanos.

La perspectiva aérea no sólo afecta al color en su intensidad, sino que representa verdaderos cambios en aquél. Los tres primarios a plena luz del sol y cerca de nosotros, manifiestan su máximo color e intensidad, e irán neutralizándose a medida que se alejen hasta que queden fundidos en un gris uniforme, y cuando sobre estos tres colores pase una nube no sólo cambiará la intensidad sino que variará el color. En los colores se manifiestan notables contradicciones bajo la luz directa del sol o en la sombra. Bajo la luz solar y en un plano relativamente alejado muestran su color distintivo y vivo y en un plano más próximo y bajo la sombra se influyen por un color frío. Los colores se transforman, en la distancia, en un gris, pero no todos verifican este cambio con igual rapidez; los colores que participan del azul se agrisarán más pronto que el rojo y el naranja -este resistirá hasta el último extremo-.

Stourhead 018

Óleo del pintor William Turner. Fijaros lo bien conseguida que está la perspectiva aérea, pudiendo diferenciar perfectamente los planos.

Este tipo de perspectiva es distinta de la geométrica que muchos conocemos de cuando aprendemos en el colegio, no se trata de ángulos ni puntos de fuga sino de efectos ambientales. A mi parecer, es mucho más difícil de conseguir, ya que requieres de mucha observación de la realidad para apreciar los matices tonales entre distintos planos.

Y ya sabéis ¡ilustro luego existo!

Teoría del color en YouTube 1

Versión en videtutorial de la teoría del color.

Teoría del color 2ª parte

El círculo cromático


El círculo cromático es un elemento básico y fundamental para entender la teoría del color y conocer la mejor manera de saber cómo se componen los colores.

color_decoracion_circulo_cromatico_1

El círculo cromático nos ayuda a clasificar los colores según algunas de las siguientes características:

  •  Primarios.
  •  Secundarios.
  •  Terciarios.
  •  Opuestos.
  •  Colores tierra
  •  Colores fríos y cálidos.

Este círculo parte de tres colores primarios «amarillo, rojo y azul»

Primarios

Los colores primarios son de los que parte el resto de posibles combinaciones de otros colores, es decir, serían los padres del resto de colores. La primera posibilidad de mezcla para conseguir distintos tonos es la de la combinación entre ellos, lo que nos da los llamados secundarios.

Secundarios

Si a su vez mezclamos un color primario con uno secundario conseguiremos un color terciario.

A partir de aquí, la combinación a su vez de tonos distintos en enorme, pero los básicos parten del primario al secundario y del secundario al terciario.

Terciarios

Primario—Secundario—Terciario


Entre estos colores hay una relación cercana de tono, por lo que se les llama colores análogos, pero si el color con el que se mezcla se encuentra en el lado opuesto del círculo cromático se les llaman opuestos.

Opuestos

Es curioso ver como el opuesto de un color primario es uno secundario. Si se mezclan dos colores opuestos conseguimos que el dominante de los dos se neutralice, es decir, reduzcamos su saturación. Hay que tener cuidado con esta mezcla ya que tiende hacia el gris, por lo que perdemos o ensuciamos el tono principal. El uso de los colores opuestos es muy interesante, ya que su fuerte contraste nos da combinaciones muy buenas, aunque hay que tener cuidado con su uso por lo dicho anteriormente.

Otra clasificación importante en el círculo cromático es el de los colores tierra. Os preguntaréis donde se encuentran estos tonos dentro del círculo, pues en ningún sitio, puesto que se consiguen con la combinación de los rojos con los verdes que son tonos opuestos entre ellos. Los tierra más conocidos son la siena natural, la siena tostada, la sombra natural y la sombra tostada. Estos colores se usan mucho para neutralizar otros colores del círculo u oscurecerlos en el caso de usar las sombra natural o tostada.

acuarela_van_gogh_409_tierra_sombra_tostada acuarela_van_gogh_234_tierra_siena_natural acuarela_van_gogh_408_tierra_sombra_natural goya-200ml-tierra-siena-tostada

La última clasificación de la que hablaremos es la de los colores fríos y clálidos. Esto hace referencia a la temperatura del color. Es una impresión que nos da cuando observamos el color debido a la referencia simbólica que tenemos con la luz y la sombra. Los colores cálidos nos evocan el fuego, el día, la luz y los fríos con el agua, noche u oscuridad. Se dice que los colores cálidos dan sensación de proximidad mientras que los fríos de lejanía. Aunque la relación de que los fríos son sombra, también se puede conseguirlas con tonos cálidos como los tierra.

Cálidos y fríos

Los colores cálidos irían desde los amarillos hasta los violetas y los fríos desde los verdes hasta los azules.

Hasta aquí el final de este manual básico sobre la teoría del color. Espero que os haya servido de ayuda y os doy también una versión en PDF de “Teoría del color” de las dos partes juntas para que lo podáis  o para tenerlo de referencia.

¡ilustro luego existo!